Услышав слово «балет» мы сразу вспоминаем пуанты, танцовщиц в накрахмаленных пачках, сцену с монументальными декорациями. А первый балетный спектакль, который приходит на ум — это «Лебединое озеро» Чайковского. Если у вас в голове сложилась именно такая картинка, то вы отстали от жизни.
Балет ХХI века прямо противоположен классическому, создаваемому целые столетия до нас. В современном балете произошли глобальные метаморфозы, начиная от самого танца, заканчивая обликом сцены. В танце балерин появились неожиданные элементы, завернутые позиции сменили выворотные, на смену балетным туфлям пришли обнаженные стопы. Напыщенные пачки уступили место легким шифоновым хитонам, мало отличающимся от тренировочной формы.
Что же сломило многовековые традиции русского балета? Ветер перемен повеял из стран Запада. Балетмейстерам стало тесно в рамках классического танца, сотканного из правил и канонов. Начали появляться видоизмененные движения, неожиданные поддержки, кажущиеся неправильными. Главная мысль современного балета — новые балетные позиции, свобода выражения чувств и идей, великолепная пластика, уход о консервативности. Нас же мучает один вопрос, не окажется ли уход от образцовости проявлением бездарности?
В Россию балетный модерн просочился после развала СССР. На Западе же все произошло гораздо раньше. Россия начала стремительно догонять иностранных коллег, менять старые балеты и ставить новые. Современный балет порой наводил ужас на простого зрителя, для которого привычней оставалась, что называется «мировая классика» : «Лебединое озеро», «Ромео и Джульетта», «Щелкунчик», «Спящая красавица» и т.д.
Бывает, что без дополнительного объяснения зрителю просто непонятно, о чем постановщики хотели рассказать в этом произведении. При этом подразумевалось, что на самом деле, оказывается, там заложена глубокая философская мысль. Но неужели работа над национальной школой классического танца до появления модерна велась напрасно? Но это вовсе не так, достаточно взглянуть на афиши русских театров в России и по всему миру. В репертуаре и по сей день полюбившиеся всем балеты — «Жизель», «Дон Кихот» и то самое «Лебединое озеро». Но есть и современные постановки, а как иначе? Общество развивается, время идет вперед. И русский балет не стоит на месте. Театры классического танца никуда не денутся от признанной мировой классики. А что касается современного балета, то можно сделать вывод, что у подлинно талантливых мастеров и в модерне все предельно понятно для любого зрителя, будь то хореограф или юрист, пришедший после работы, пожелавший приобщиться к культуре.
Борис Эйфман, главный балетмейстер единственного в России балета современного танца «Up and Down», обитающего в северной столице нашей огромной родины – как раз такой мастер. Постановки этого хореографа много лет будоражат общество. А самое ценное в его творчестве – пожалуй то, что, обращаясь к современности, он в первую очередь берет за основу исконно русские темы, изредка обращаясь к зарубежным. Среди его работ: «Русская симфония», «Анна Каренина», «Жар птица», «Только любовь», «Идиот» и др. Все эти балетные спектакли поставлены на музыку русских композиторов: Щедрина, Стравинского, Каллинникова, Чайковского. В любом случае, Эйфман использует только качественный материал, несмотря на то к какой теме обращается. Из новых работ зрителей поразила интерпретация классического балета «Жизель», который у Эйфмана называется «Красная Жизель».
Его современная хореография интересна многообразием: здесь и трагедия и буффонада, и библейская притча и психологическая драма, и рок — балет и детская сказка. Философия — лейтмотив его творчества. Эйфман создал свой стиль. Артисты его театра блистательно владеют классическим танцем и даром перевоплощения.
Под его руководством современная хореография не разрушает традиции национального балета. И нам не стоит переживать за его судьбу, пока существуют такие мастера, как Борис Эйфман.
report.unic.edu.ru
Балет – национальная гордость России и «визитная карточка» российской культуры. Зародившись во Франции и Италии, именно здесь он обрел «вторую родину». Именно в России сохранили и развивали классические традиции балета, чтобы затем вновь подарить их всему миру.
Первая балетная школа в России была открыта в Петербурге в 1738 году. Через несколько десятилетий школа открылась и в Москве. Так началось соперничество двух балетных традиций – петербургской и московской, двух театров – Мариинского и Большого, которое продолжается и по сей день. В этом можно убедиться даже просто изучив афиши в обеих городах.
Петербургская школа верна классическим традициям и делает упор на отточенность каждого движения, суперпрофессионализм исполнителей. На петербургской сцене и по сей день можно увидеть наиболее «классические» версии великих балетных спектаклей. Но кому-то питерская манера кажется холодноватой.
В Москве более склонны к выражению ярких эмоций, смелым экспериментам и разнообразию жанров. Но нередко эксперименты оказываются китчем или просто безвкусицей. Впрочем, в отличие от чопорного Петербурга, в Москве это прощается.
Репертуар российских балетных театров – прежде всего, лучшие спектакли XIX и XX веков, к которым в последние годы добавились многие экспериментальные спектакли современного танца.
В XIX веке в России были созданы многие шедевры классического балета: «Спящая Красавица», «Щелкунчик», «Лебединое озеро», «Раймонда», «Баядерка», «Дон Кихот». К первым трем из них музыку написал П.И. Чайковский, что также стало прорывом: нигде в мире до этого для балета не работали «большие» композиторы. Благодаря замечательной музыке и филигранной хореографии все эти спектакли до сих пор с успехом идут на российской и мировой сцене.
Начало XX века стало для русского балета временем новых прорывов. Именно гастроли российских «звезд» в начале XX века (знаменитые «Русские сезоны» Дягилева) пробудили угасший было интерес зарубежной публики к балету и подарили ему «второе дыхание». Появился жанр одноактного балета, а декорациям и костюмам начали уделять гораздо больше внимания. Музыка для постановок выбиралась сложная, порой «нетанцевальная», но по-прежнему отменных композиторов. Из балетов начала века наиболее интересны «Жар-Птица», «Шопениана», «Шахерезада» и «Весна священная» (над последним обычно безжалостно экспериментируют).
В СССР балет оставался предметом национальной гордости. Балетмейстеры продолжали следовать классическим традициям (хоть и в ущерб всем новым веяниям), а для театра работали лучшие композиторы: С.С. Прокофьев, Д.Д. Шостакович, А.И. Хачатурян. Балеты создавали на исторические сюжеты или по литературным произведениям и стремились наполнить глубоким смыслом. Из постановок советских времен со сцены театров до сих пор (и заслуженно) не сходят «Ромео и Джульетта», «Спартак», «Каменный цветок», «Бахчисарайский фонтан», «Золушка», «Анюта», «Анна Каренина». Два последних – более современные и отличаются еще более тонким психологизмом образов.
После разрушения Советского Союза на российскую сцену хлынул поток всего, что было раньше запрещено: бессюжетный балет, вольный и современный танец… Пока далеко не все эксперименты можно назвать удачными, но то, что российский балетный мир стал более разноплановым – несомненно.
И в царские, и в советские времена, и сейчас к звездам балета в России относятся очень трепетно. В театр часто приходят «на кого-то». В советское время мгновенно разлетались билеты «на Уланову», «на Плисецкую» и «на Максимову».
Самые успешные балерины нашего времени – Ульяна Лопаткина (Мариинский театр, Санкт-Петербург), Светлана Захарова (Большой театр, Москва) Диана Вишнёва (Мариинский театр, Санкт-Петербург), Наталья Осипова (Михайловский театр, Санкт-Петербург) и Екатерина Кондаурова (Мариинский театр). У каждой из них своя манера танца, но все они – удивительные исполнительницы и великолепные профессионалы.
Лучшим балетным театром страны традиционно считается Мариинский театр в Санкт-Петербурге. Билеты в него раскупают на несколько месяцев вперед. Большой театр в Москве стремится удивлять экспериментальными постановками, но классические в нем все-таки лучше. Отличный репертуар и труппа в Московском Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко. Очень хороши спектакли и в Михайловском театре Санкт-Петербурга.
В регионах выделяются театры оперы и балета в Новосибирске, Екатеринбурге и Перми, активно конкурирующие с признанными балетными столицами за театральные премии. В последние два города также стоит ехать за современным танцем. Особенно привлекает к себе внимание в последние годы театр «Провинциальные танцы» в Екатеринбурге.
russia.com
Корни русского балета, как и всякого вида искусства, лежат в танцевальном фольклоре. Скорее всего, это были культовые (всевозможные хороводы) и игровые («Перепляс», «Кума, где была» и проч.) пляски. Русский балет не только сохранил все эстетические каноны, но и стал законодателем в мире балета.
В Киевской Руси на рубеже VIII-IX веков стали появляться первые танцоры, профи своего дела – скоморохи... Спустя время, когда столицей стала Москва, скоморохами уже были не обязательно мужчины.
В XV-XVI веках веселые зрелища ряженых с лицами, скрытыми масками, так называемыми «машкарами», изумляли и удивляли заезжих иностранцев.
В XVII веке история русского балета отмечена открытием в Потешном дворце Кремлевского театра. По заведенной традиции, каждая постановка в этом театре всегда завершалась междусеньями (особыми выходами балетных). Эти так называемые entrée исполняли мужчины, облаченные в напыщенные одежды. Актеры показывали несколько элементов бального танца.
Первым полномасштабным балетным представлением в России считается спектакль, поставленный 8 февраля 1673 года. Произошло это знаменательное событие при дворе царя Алексея Михайловича и называлось оно «Балет об Орфее и Эвридике». История возникновения русского балета описывает его как смену церемонных поз, медлительных танцев, поклонов и переходов. Между ними актеры произносили заученные слова или пели. Все это мало походило на настоящее театральное действо. Это была только лишь царская потеха, завлекающая своей неизвестностью.
Тем временем И. Грегори, устроитель театра, приглашает Николу Лима организовать курсы обучения театральному мастерству для царского театра. На первых порах 10 детей знатных мещан, затем уже 20, успешно прошли обучение и показали на суд царю балетную постановку «Орфей» во французском стиле.
Только по прошествии четверти века Петр I, задавшись целью реформировать культурную жизнь России, привносит в быт русского общества музыку и танец. Он решает привить искусство элитным слоям жителей Петербурга. Для этого Петр I закрывает московский театр Алексея Михайловича и издает революционный указ. Этот указ об ассамблеях обязывал все государственные учреждения преподавать бальные танцы в обязательном порядке. Эти реформы сделали должность танцмейстера недосягаемо высокой. Именно этим распорядителям ассамблей балет обязан появлением в балетных танцевальных движениях, пришедших из-за рубежа, нововведений в виде элементов из национальных славянских танцев.
Автор В. Красовская («История русского балета» – Л. Искусство, 1978 г.) считает, что благодаря энергичности и безапелляционности Петра I в дворцовых залах стали проходить выступления балетных трупп, музыкантов и оперных артистов, приглашенных из-за рубежа.
В начале 1738 года в стране была организована школа балетного искусства, ставшая, по сути, первой. История русского балета кратко рассказывает об этом периоде. Выпускники школы работали в балетных коллективах иностранных театров так называемыми фигурантами (актерами кордебалета). И только много позже их допускали к главным партиям.
Колыбелью современного балета историки считают Сухопутный шляхетный корпус. В нем трудился прославленный Жан Батист Ландж, который со своими учениками поставил три придворных балетных спектакля. Как показывает история русского балета, они стали практически первыми балетными представлениями, соответствующими всем законам и нормам Королевской Академии танцев в столице Франции.
Кадеты шляхетного корпуса принимали участие в академическом, лирическом полухарактерном и одновременно комическом балетном представлении труппы Фессано из Италии.
Елизавета I, чтобы не растерять подготовленных балетных танцоров, открывает Собственную Ее Величества танцевальную школу, первым набором которой были 12 детей простолюдинов.
А к концу 1742 года, императрицей подписан указ, повелевающий учредить балетную труппу из русских танцовщиков. Именно в ней засветились первые русские звезды – профессиональные балетные танцовщики: Аксинья Баскакова и Афанасий Топорков.
Смерть Батиста Ланде вносит сумятицу в хореографическое дело в стране. Представления, которыми руководит Фессано, становятся однотипными и скучными бурлесками. Зрителя не привлекают такие постановки.
История русского балета кратко описывает тот период. В эту пору и в Европе стоит вопрос о реформе хореографического дела. Руссо и Сен-Мар требуют балетных танцоров избавиться от пышных одежд и масок с париками. Дидро настоятельно рекомендует изменить сюжетные линии балетных представлений. Тем временем Джон Уивер, не дожидаясь всеобщих изменений, ставит танцевальное представление, имеющее продуманный сюжет, а Жорж Новер пишет легендарные «Письма о танце».
Не отстает и русский балет. Появление Гильфердинга - тому подтверждение. Этот немецкий специалист закрепил сюжетные хореографические постановки в Петербурге. В Париже сюжетные балетные постановки появились только 15 лет спустя. Гильфердингу помогал Леопольд Парадизо. Уже к 50-м годам XVIII века они создавали независимые балетные пьесы.
Первая драма в русском балете принадлежит А. П. Сумарокову. Он пропагандировал хвалебные танцевальные постановки, сочинил литературную основу к балетным спектаклям «Прибежище добродетели» и «Новые лавры».
Гаспаро Анжиолини, приглашенный царем балетмейстер, усиливая яркость народных песенных славянских ноток, ставит балетное действо «Забавы о святках». Екатерина II сильно нахваливала представление. В 1779 году Законодательная комиссия в полном составе одобрила балет, музыка к которому была написана на основе славянского фольклора.
После такого колоссального успеха Анжилини перешел к развлекательным театральным постановкам, которые высмеивали злободневную тематику. Это были наделавшие шума панегирики: «Торжествующая Россия» (расхваливалось поражение турецкой армии при Кагуле и Ларге), «Новые аргонавты» (славная ода флоту Российской империи) и «Победное рассуждение» (поднимался волнующий всех вопрос о необходимости прививки против свирепствующей оспы).
Немногим ранее был поставлено первое героическое балетное представление «Семира». С этого момента балетмейстеры стали уделять большое внимание выразительности балетного танца. Ибо танцоры одновременно могут быть заняты и в потешных оперных выступлениях негосударственных театров, и в псевдорусских оперных показах, либретто к которым сочиняла сама императрица.
К новому 1778 году в Петербурге (как показывает история русского балета, книги ярко описывают это уникальное событие) ждет зрителей уже два театра: коммерческий «Вольный театр» и придворный.
Во второй половине XVIII века в моду входит овладение танцевальным искусством. А уже в начале 1773 года под опекой Леопольда Парадиза в столице на базе Воспитательного дома открывается первый учебный центр, впоследствии ставший первым публичным театром. В первом наборе было 60 детей. О первых хореографических представлениях, поставленных прославленным Козимо Меддоксом, рассказывает в своих книгах Ю. Бахрушин.
История русского балета, изученная и описанная им очень подробно, полновесно раскрывает этот период танцевального искусства. Медокс с коллективом молодых, выучившихся в России, танцоров ставил комические оперы, хореографические постановки, посвященные реальным событиям (например, «Взятие Очакова»), и дивертисменты.
На этом фоне стал быстро развиваться крепостной театр. В последнее десятилетие XVIII века уже были хорошо известны крупные коллективы крепостных актеров. Такие коллективы были у Зорича, Головкиной, Апраксина, Шереметьева, Потемкина и других помещиков.
Этот же период ознаменовался развитием и постановкой техники женского танца и художественного оформления сцены для представления. Появляется новая традиция конкретизировать на сцене место действия, декорации писать в реалистичном стиле, применять игру полутеней и света.
История русского балета 19-20 веков насыщена и многообразна. К началу XIX века искусство балета достигает той зрелости, которая по достоинству оценивается зрителем. Русские балерины привносят в хореографию воздушность, благородность и выразительность. Это очень метко подмечает А. С. Пушкин, описывая красоту танцевальных движений своей современницы, звезды балетной сцены, Истоминой: «души исполненный полет» (фраза стала синонимом балета). Ее мимика и отточенность танцевальных движений вызывала восхищение. Большая часть зрителей ходила именно на Авдотью Истомину.
Не менее прекрасны были Лихутина Анастасия, Екатерина Телешова, Данилова Мария.
Балетные постановки набирают популярность. Балетный танец, как искусство, становится привилегированным, и на него выделяются государственные дотации.
К 60-м годам прошлого века культурный бомонд охвачен новомодным течением «реализм». В русский театр приходит кризис. Касаемо хореографических постановок, он выражался в примитивизме сюжетной линии, которая подстраивалась под определенный танец. Балеринам, достигшим совершенства, предлагают танцевать в реалистичных постановках.
История создания русского балета выходит на новый виток. Возрождение началось с Петра Чайковского, который первым написал музыку для хореографической постановки. За всю историю балета, впервые музыка стала так же важна, как танец. И даже оказалась в одном ряду с оперной музыкой и симфоническими композициями. Если до Чайковского музыка писалась под танцевальные элементы, то теперь балетный актер пластикой, движением и изяществом стремился передать музыкальное настроение и эмоцию, чем помог зрителю разгадать сюжет, переложенный композитором на ноты. Мир до сих пор восхищается знаменитым «Лебединым озером».
Хореограф А. Горский привнес в постановки элементы современной режиссуры, стал уделять огромное внимание художественному обрамлению сцены, полагая, что зритель должен полностью погружаться в происходящее на сцене. Он запретил применять элементы пантомимы. Коренным образом переломил ситуацию М. Фокин. Он возродил романтический балет и сделал язык тела в танце понятным и говорящим. По мнению Фокина, каждая постановка на сцене должна быть уникальной. То есть музыкальное сопровождение, стиль и танцевальный рисунок должны быть присущи только конкретному представлению. В первые годы XX века аншлаги снимали его постановки «Египетские ночи», «Умирающий лебедь», «Сон в летнюю ночь», «Ацис и Галатея» и др.
В 1908 году Дягилев С. П. приглашает Фокина стать главным постановщиком парижских «Русских сезонов». Благодаря этому приглашению Фокин становится всемирно знаменитым. А русские балетные артисты стали ежегодно с триумфом выступать во французской столице. История русского балета славит танцовщиков русской труппы, имена которых знает весь мир: Адольф Больм, Анна Павлова, Тамара Карсавина, Вацлав Нижинский и др. И это во время упадка европейского балета!
Дягилев рискнул и выиграл. Он собрал труппу молодых и талантливых балетных актеров и предоставил им свободу действий. Разрешил действовать вне известных рамок, которые ставил известный, но уже довольно пожилой Петипа.
Свобода действий дала возможность танцорам раскрыть и выразить себя. Кроме этих революционных нововведений Дягилев привлек к художественному оформлению известнейших своих современников художников (Ж. Кокто, А. Дерена, П. Пикассо) и композиторов (К. Дебисси, М. Равеля, И. Стравинского). Теперь каждая балетная постановка стала шедевром.
После Октябрьской революции многие танцоры и хореографы оставили мятежную Россию. Но костяк остался. Постепенно ближе к народу становится русский балет. Страницы истории за период становления видели многое…
После середины XX века танцовщики и хореографы нового поколения вернули на сцену забытые танцевальные миниатюру, симфонию и одноактный балет. Число студий и театральных стало неизменно расти.
Знаменитая российская танцовщица Вера Михайловна Красовская появилась на свет еще в Российской империи 11 сентября 1915 года. После средней школы поступила и в 1933 году успешно окончила Ленинградское хореографическое училище. Училась у знаменитой Вагановой Агриппины. С этого времени и по 1941 год Красовская служит в Театре им. Кирова. Занята она в балетах академического репертуара.
В 1951 году Вера Михайловна оканчивает в Ленинграде аспирантуру Театрального института им. А. Островского, после основного обучения на факультете театроведения.
Школа профессионализма, полученная Красовской сначала в классе Агриппины Вагановой, затем в балетных постновках Мариинского театра, вместе с багажом знаний энциклопедического масштаба, аристократизмом, культурными традициями и потрясающим владением языками (французским и английским), позволила ей стать блестящим и однозначно крупнейшим балетным искусствоведом.
В 1998 году радостная новость облетела весь театральный мир. Премию «Триумф» получила Вера Михайловна Красовская. История русского балета, о которой она рассказала в книгах (некоторые из них переведены на иностранные языки) и статьях (более 300) как искусствовед и критик, сделали Веру Михайловну лауреатом свободной российской премии «Триумф». Эта награда присуждается за высшие достижения в искусстве и литературе.
В 1999 году Красовской Веры Михайловны не стало.
История русского балета с благодарностью хранит имена мастеров танцевального искусства, которые внесли колоссальный вклад в формирование русской хореографии. Это небезызвестные Ш. Дидло, М. Петипа, А. Сен-Леон, С. Дягилев, М. Фомин и многие другие. А талант русских артистов притягивал и сегодня притягивает огромное количество зрителей в разных странах мира.
По сей день русские балетные труппы считаются самыми лучшими в мире.
fb.ru
XX век значительно повлиял на развитие балетного искусства. Классический стиль постепенно начинает обрастать новыми элементами танца, изменяется и образ каждого танцора.
Если классический балет – это гармония музыки и танца, которые неразрывно связаны между собой, то современный балет – это, прежде всего, эксперимент.
Классический танец стал превосходным базисом для развития абсолютно другого направления в балете - современного танца (балет в стиле модерн).
Класси́ческий та́нец — основное выразительное средство балета; система, основанная на тщательной разработке различных групп движений, появившаяся в конце XVI века в Италии и получившая своё дальнейшее развитие во Франции благодаря придворному балету. Благодаря соблюдению определённых позиций ног, рук, корпуса и головы и точному следованию принципам выворотности ног, вертикальности тела и изоляции различных его частей, движения классического танца стремятся к геометрической ясности. В Россию классический танец пришёл в 1-й половине XVIII века. Благодаря деятельности Жана-Батиста Ланде в Петербурге в 1738 году была открыта первая танцевальная школа в России.
Стоит отметить, что современный танец или балет в стиле модерн начал развиваться в Соединенных Штатах Америки в начале XX века. Началось все с появления новых, порой неожиданных элементов танца и кардинальной метаморфозы облика танцоров, когда прославленные балетмейстеры почувствовали зажатость, духоту в классике, когда им стало не хватать возможностей для демонстрации своего мастерства.
Современный балет отказывается от пачек и пуантов, пришедшие им на смену свободные, удлиненные одеяния балерин создают воздушный, утонченный образ. Многие танцоры начинают выходить на сцену и вовсе босиком.
Борьба между классикой и современностью была не шуточной. Балетные движения обновлялись очень неохотно, традиции были настолько сильны, что не пускали в сферу классики ни одну из ряда вон выходящую тенденцию.
Пытаясь найти свой собственный танцевальный язык и взяв в качестве базиса классический балет, хореографы создают совершенно новый вид искусства – балет современный.
Современный балет сказал нет классическим позициям рук и ног, сложному вывороту, характерному для классического балета, высоким прыжкам и нарочитому удлинению рук и ног.
Развитие современного танца становится для известных балетмейстеров возможностью показать свое мастерство, ведь балетные традиции, сложенные за долгий период времени, практически не пополняются новыми элементами и не учитывают современных тенденций танцевального искусства.
Реакцией на такой кризис и стало создание балетного стиля модерн.
В соответствие с этим классические элементы балета пополняются новыми танцевальными позициями, а одиночные партии нацоров замещаются на парные выступления. Несколько видоизмененные классические элементы, удачно сочетаясь с привнесенными движениями, которые и составляют основу танеца.
Современный балетный танец, благодаря определенной свободе движения и танца, не стесненной многочисленными правилами, позволяет увлечься балетом даже в зрелом возрасте. Ведь танец в стиле модерн не требует отличной техники, в нем главное – природная пластика тела, позволяющая выполнять сложные движения.
В последнее время современный балет получил широкое распространение и в России. Различные элементы классического балета гармонично сочетаются с новыми танцевальными движениями, что дает свободу вариаций и комбинаций, а это придает танцу особую выразительность.
Современный балет – это, прежде всего, танец эксперимента.
Романтический балет
Классический балет
Классическая хореография
obrmos.ru
Русский балет известен во всём мире. Во многих странах считают, что именно Россия - родина этого искусства. На самом деле возникновению феномена «русский балет» мы обязаны, прежде всего, итальянцам и французам.
Как искусство балет возник в Италии в эпоху Возрождения из придворных празднеств.
И само слово «ballo», означающее «танец», - итальянское. Интерес к представлениям с танцами возник и стал бурно развиваться и во Франции. Людовик XIV настолько страстно увлекался балетом, что участвовал в спектаклях и даже считался лучшим танцором королевства! Первая балетная школа также появилась во Франции, поэтому вся терминология - французская. Однако первой исполнительницей, вставшей на пальцы ног, была итальянка Мария Тальони, которая гастролировала и в России.
Первым «танцмейстером», прибывшим в Петербург, был француз Жан-Батист Ланде. По его прошению в 1738 году была основана школа - нынешняя Академия русского балета им. А. Вагановой. Она стала второй в мире - после французской.
В Петербурге ходить в театр было модно, на сцене блистали итальянские и французские гастролёры, подстёгивающие наших в стремлении к совершенству. Впрочем, русские исполнители достигли таких высот, что - говоря современным языком - стали звёздами. Так, балерина Авдотья Истомина была кумиром общества, вдохновляла Пушкина: «…стоит Истомина. Она, одной ногой касаясь пола, другою медленно кружит, И вдруг прыжок, и вдруг летит…». А «летела» Истомина потому, что первой из россиянок встала на пальцы.
Балетмейстеры были сплошь иностранными, притом в Россию на протяжении XVIII- XIX веков приглашали самых выдающихся - Дило, Перро, Сен-Леона, и, конечно, Петипа, проработавшего в Мариинском театре тридцать лет. Настоящий переворот в балетной музыке совершил Чайковский, в содружестве с которым Петипа поставил самый знаменитый в мире спектакль «Лебединое озеро». Впрочем, свой большой вклад в этот балет внёс и российский хореограф Лев Иванов. Чайковский и Петипа подарили миру ещё два шедевра - «Спящую красавицу» и «Щелкунчика».
В рождественские дни в Европе и Америке «Щелкунчик» ставит рекорды, он идёт едва ли не во всех театрах, балет показывают по телевидению.
Учителями российских звёзд до революции тоже были в основном иностранцы. Анна Павлова, Тамара Карсавина, Матильда Кшесинская и Вацлав Нижинский совершенствовали мастерство и у итальянца Энрико Чеккетти, шведа Христиана Иогансона. Есть мнение, что у русских танец - в крови, поэтому сплав отечественных талантов и западных традиций дал фантастический результат.
К началу ХХ века балет в России достиг расцвета. Театр был императорским, денег на него не жалели. А вот в Европе балет захирел: во Франции, к примеру, его стали рассматривать, прежде всего, как «представление с участием хорошеньких женщин».
В Англии он переместился в мюзик-холлы. Когда Дягилев привёз в Париж «Русские сезоны» - это вызвало фурор. Кстати, тогда впервые в Европе зародилась мода на всё русское. Невеста английского короля Георга VI выходила за него замуж в платье «перефразирующем русские фольклорные традиции».
С начала ХХ века звёзды стали гастролировать по всему миру. Анна Павлова, к примеру, организовала свою компанию, побывавшую во всех частях света. После революции танцовщики первой величины оказались за границей, в 20-х годах туда перебрался и петербуржец Георгий Баланчивадзе, больше известный как создатель американского балета Джордж Баланчин. Кстати, именно в Америке широко распространено мнение, что балет - родом из России. Солист Дягилевского «Русского балета» Серж Лифарь возглавил балет парижской «Гранд-опера» и отдал ему более тридцати лет. Как в своё время Петипа - Мариинскому театру.
Авторитет русского балета вырос настолько, что западные исполнители стали брать себе русские имена! Так, англичане Патрик Хили-Кей, Элис Маркс и Хильда Маннингс остались в истории искусства как Антон Долин, Алисия Маркова, Лидия Соколова.
В ХХ веке наша страна стала отдавать миру накопленное богатство. На Западе самые уважаемые преподаватели - русские, везде за честь почитают постигать искусство танца по системе Вагановой.
Новый всплеск интереса к русскому балету вызвали оказавшиеся за рубежом Рудольф Нуреев, Михаил Барышников и Наталья Макарова. Нуреев несколько лет возглавлял «Гранд-опера», Барышников - «Американский театр балета». Но и Запад продолжает оказывать влияние - в той же Мариинке поставили спектакли француза Анжелена Прельжокажа, американских хореографов Уильяма Форсайта и Бенджамина Мельпье. Балетная труппа петербургского театра - по отзывам самых известных критиков разных стран - самая почитаемая в мире.
www.spb.aif.ru
Начо Дуато (Nacho Duato) - словно нос в классическом произведении Николая Гоголя - следует за вами по Санкт-Петербургу, появляясь в странных местах. На плакатах в метро и на биллбордах вдоль Невского проспекта, везде можно встретить точеный профиль испанца. Неудивительно, что его взгляд - вызывающий и дерзкий. После престижной карьеры в самых авангардных танцевальных труппах Европы и Америки, Дуато прибыл в историческую столицу балета, чтобы потрясти российский балет до основания.
Дуато - первый за век иностранный хореограф, который будет руководить российской балетной труппой, Санкт-Петербургским Михайловским балетом, для которого начался уже его 178-ой сезон. Традиционалисты очень нервничают. Главный спаситель и спонсор Михайловского банановый магнат Владимир Кехман инвестировал 35 миллионов долларов своих собственных средств в возрождение театра. В прошлом году, разочарованный серией неудач доморощенных директоров, Кехман пригласил Дуато, чтобы тот дал толчок труппе. После двадцати лет работы директором Испанской национальной балетной труппы и после более чем десяти лет во главе американского балета, перед Дуато стоит самый большой художественный вызов в его карьере: привести российский балет, отпихивающийся ногами и кричащий, в XXI век.
С тех пор как Дуато пришел в «пыльный и скрипучий» Михайловский, он просто взрывает это место. «Здесь не нужны классические движения», - говорит Дуато танцовщику на репетиции. «Забудьте о пор де бра! Забудьте о том, что ваши руки - это ваши руки, просто бросайте их, как будто они это что-то тяжелое». Демонстрируя, как нужно делать, Дуато опускает свои конечности, как будто он несет ведра. Когда он не натаскивает танцовщиков для своих дебютных балетов - возрождения двух постановок, которые Дуато разработал вместе с Американским театром танца (American Dance Theater) в 1980-х, он преследует отдел реквизита, постоянно забегая к костюмерам. «Они не ожидали, что я буду показываться каждый день, но я делал именно так», - говорит Дуато. «Я здесь не просто для того, чтобы поменять хореографию, но также и для того, чтобы изменить музыку, костюмы, веб-сайт, все!»
Дуато - не первый, кто пытается расшевелить и перетряхнуть российский балет. Урожденный россиянин Алексей Ратманский, художественный руководитель московского Большого театра в середине 2000-х годов, проделал великолепную работу, когда возродил несколько постановок Шостаковича эпохи соцреализма. Санкт-петербургский Мариинский театр также приглашал легендарных современных хореографов, таких как Уильям Форсайт (William Forsythe) или Уэйн Макгрегор (Wayne McGregor) для индивидуальных постановок. Но то, что Дуато называет «силой энтропии» в российских великих старых труппах, до сих пор проявляется в огромных масштабах, как и консерватизм в российских балетных школах, а также среди спонсоров и самой публики. «Сложно справиться с наследием балетного консерватизма, с идеей, что наш балет - лучший в мире», - говорит Ратманский, который в разочаровании покинул Большой через пять лет после начала работы там.
Тем не менее, есть люди, которые уверены, что открытие окна в современность нанесет смертельный удар. «Хороший классический танцовщик может быстро научиться современной хореографии, но современного танцовщика или танцора нельзя научить танцевать классический балет», - говорит Андрей Кулинин, танцовщик, ставший менеджером в труппе Михайловского. «Благодаря железному занавесу, нам удалось сохранить самую прекрасную старую школу - мир был поражен, когда увидел это после перестройки, так как мы оказались единственными выжившими, кто все еще танцует классический балет, который Европа утратила давным давно». Эта старая школа поддерживалась беспощадным натаскиванием и обучением танцовщиков в специальных учебных заведениях с пятилетнего возраста. Результат - живой музей классического танца, у которого нет конкурентов, и многие поклонники старшего поколения любят его именно таким.
«Если я хочу посмотреть современный балет, я еду в Америку. Если я хочу посмотреть традиционный, я еду в Россию», - говорит Людмила Бибикова, которая является верным поклонником Большого с 1950-х годов. «Атлетически сложенные американские девушки более убедительны, когда они танцуют современный балет. А скромные и хрупкие российские девочки просто больше подходят для традиционных лирических ролей».
Дуато неустрашим. Он отобрал тридцать лучших танцовщиков Михайловского для своей первой крупной постановки в декабре - новой интерпретации «Спящей красавицы» Чайковского. Этот выбор - акт символической дерзости: этот балет был впервые поставлен в Мариинском в 1890 году Мариусом Петипой (Marius Petipa), последним иностранцем, возглавлявшим российскую танцевальную труппу. «Спящая красавица» был также первым балетом, который российский импресарио Сергей Дягилев выбрал для вывода российской классической танцевальной школы - тогда считавшейся сногсшибательно авангардной, передовой - на европейскую аудиторию под именем Ballets Russes. Одновременно Дуато вновь ставит свои собственные произведения - «Без слов» (Without Words) и Nunc Dimittis - этой весной. В последнем есть несколько шокирующих моментов, таких как очень телесный, полный физического контакта дуэт двух мужчин, а также трио, где два мужчины-танцовщика, кажется, разрывают на части вытянутое, красивое тело примы-балерины Екатерины Борченко.
Дуатовская «Спящая красавица» также полна нарушений правил: в России, партию злой феи Карабосс обычно исполняет мужчина, танцующий без пуантов. Дуато решил, что эту партию будет танцевать балерина и с пуантами. Никита Долгушин, главный педагог-репетитор труппы, в шоке. «Это просто убьет контраст между доброй феей и злой феей!», - сердится он. «Если мы не можем найти общий язык для концепции балета, я не участвую в этом проекте. Тогда моего имени не будет на афишах, и моя репутация останется незапятнанной в случае фиаско». Но чего старый балетный мастер еще не знает, так это то, что его новый босс подумывает о том, чтобы заменить всех мышей и крыс «Спящей красавицы» на «так скажем, панков», - раздумывает Дуато с озорной улыбкой.
Что бы ни говорила старая гвардия, у идей Дуато нашлись страстные последователи среди молодых танцовщиков. Александр Сергеев, 24-летняя звезда Мариинского, влюбился в современную работу, которую сделал Дуато с заезжими звездами, такими как Дэвид Доусон (David Dawson) и Джири Килиян (Jirí Kylián). «Мы восхищались абсолютной свободой» современных сцен, говорит Сергеев. «Лично я чувствую себя гораздо более удовлетворенным и в приподнятом настроении, когда я танцую современный балет, чем когда исполняю звездную партию в «Лебедином озере»».
В конечном счете, эксперимент Дуато поднимает вопросы не только о российском балете, но и о самой России. Лучше ли играть в догонялки с Западом, импортируя таланты и идеи, или русским стоит просто придерживаться того, что они делают лучше всего, даже если это старомодно? «У русских есть их великий классический репертуар. Это то, что они делают лучше всего, и этого не делает больше никто - так что отлично, пускай они это делают», - говорит Бибикова. Дуато считает, что этого недостаточно. Танец - это универсальный язык, а не национальный, уверен он. И никакая традиция не может жить, не развиваясь - и только тогда она будет способна по-настоящему вдохновлять и менять свою аудиторию.
Материалы ИноСМИ содержат оценки исключительно зарубежных СМИ и не отражают позицию редакции ИноСМИ.
inosmi.ru
История мирового балета знает немало легендарных имен. В Стокгольме перед старинным зданием Музея танца сооружен памятник. В скульптуре из бронзы воплощен образ выдающейся русской балерины Галины Улановой в партии Лебедя (скульптор Елена Янсон-Манизер). Кто из нас не помнит танец маленьких лебедей или адажио Одетты-Одилии из сказочно-фантастического балета П. Чайковского «Лебединое озеро»? Эта музыка стала любимой для многих людей во всем мире, ведь идеи борьбы против темных сил, которые стоят на преграде к счастью, понятны представителям разных культур, людям разного возраста, разных художественно-эстетических интересов и вкусов.
Балет – вид музыкально-сценического искусства, его содержание раскрывается в хореографических образах. Французское слово «ballet» произошло от итальянского «танец». Французское название и итальянский корень не случайны. Родина балета – Италия, время возникновения – Возрождение. Итальянцы издавна любили танцевальные сценки на карнавале, которые со временем превратились в танцевальные спектакли. Во Франции стал популярным придворный торжественный балет. В королевской академии танца (Париж) сформировалась школа классического танца – своеобразный язык хореографического искусства, который в основном сохранился до наших дней. Балет состоит из музыки, танца – классического и характерного, пантомимы, сценария (либретто), сценографии.
В России балет стал популярным в 18 веке благодаря одному из представителей французской школы классического танца Шарлю Дидло. Именно он поставил на петербургской сцене немало балетных спектаклей, в которых выступала, в частности, и Авдотья Истомина, чье исполнение воспел Пушкин. Становление русской школы классического танца в 19 веке связано с деятельностью балетмейстера Мариуса Петипа, который поставил в Петербурге около 60 балетов, а также с музыкой Петра Чайковского, автора трех знаменитых балетов: «Лебединого озера», «Спящей красавицы», «Щелкунчика». Именно он придал глубокое психологическое содержание балетной музыке, в которой использовал принципы симфонического развития.
Историческое значение имел балетный дебют русского композитора Игоря Стравинского. Его балеты «Жар-птица», «Петрушка» в постановке талантливого балетмейстера Михаила Фокина, «Весна священная» в постановке известного танцовщика и балетмейстера Вацлава Нижинского были созданы для «Русских сезонов» в Париже, которые в начале 19 века организовывал Сергей Дягилев – известный антрепренер, горячий пропагандист русского искусства за границей. Сценическое оформление, декорации, костюмы, даже либретто «Петрушки» разрабатывал художник Александр Бенуа; сценография «Весны священной» принадлежала Николаю Рериху, также соавтору либретто. Балеты И. Стравинского с оркестровыми эффектами, смелыми ритмами, ладогармоническими находками, новаторской трактовкой фольклора открыли новую эру в истории музыкального театра. Звездой первой величины в русской труппе С. Дягилева была балерина Анна Павлова. До нее в балете царил виртуозный блеск, культ танцевальной техники. Анна Павлова создала эталонные образы высокой духовности, красоты, искренности. Среди них – «Лебедь» К. Сен-Санса, «Вальс» из «Шопенианы».
Славу русского балета на мировой музыкально-театральной арене приумножил еще один воспитанник петербургской школы, ученик Н. Римского-Корсакова Сергей Прокофьев. Он – автор огромного количества произведений: опер, симфоний, инструментальных сонат и концертов, ораторий и кантат, музыки к кинофильмам. Вершиной творчества композитора принято считать балет-трагедию «Ромео и Джульетта», который благодаря новаторской хореографии, симфоническим приемам музыкального развития стал гениальным воплощением шекспировских глубоко психологических образов, общечеловеческих конфликтов. Музыку балета пронизывают основные мелодичные линии – лейтмотивы, которые соединяют в одно целое ряд образов-портретов. Стремительная и полетная тема Джульетты-девочки, мечтательно-задумчивая и грустная – Ромео, эксцентричная и жизнерадостная – Меркуцио, сурово хоральная – отца Лоренцо, трагично-угрожающая – тема вражды Монтекки и Капулетти. В череде хореографических образов как будто оживает дух эпохи Возрождения. Балет стал общепризнанным шедевром трагедийного жанра. На основе русских народных сказок С. Прокофьев создал национальные балеты «Сказка про шута» и «Сказ о каменном цветке», в классических традициях написана поэтическая «Золушка».
Незабываемые прокофьевские образы Джульетты и Золушки воплотила на музыкально-театральной сцене Галина Уланова. Она обогатила традиции лирико-романтического танца Анны Павловой, наполнила характеристики хореографических героев психологизмом, особой поэтичностью, богатой гаммой эмоциональных нюансов. Героиням Улановой – непревзойденной мастерицы пластических деталей – свойственны внешняя скромность и огромная внутренняя сила. После выступлений за границей, где искусство балерины получило широкое признание, она писала: «Во всем мире считают, что именно душа нашего танца, или, как говорил Станиславский, «жизнь человеческого духа», завораживают превыше всего».
Славу своих выдающихся предшественников продолжают современные артисты русского балета. Образы Майи Плисецкой («Кармен-сюита» Р. Щедрина), Екатерины Максимовой и Владимира Васильева («Спартак» А. Хачатуряна), Нины Ананиашвили («Жизель» А. Адана) и многих других солистов Большого театра и Санкт-Петербургского театра оперы и балета вызывают восхищение зрителей. Сейчас русский балет известен во всем мире, ни одна страна не может похвастаться такими достижениями в этой художественной области.
 |
russianballey.blogspot.com
